『フリーダとディエゴ 最後の夢』レビュー　愛と痛みを描くMETライブビューイング――ひび割れる大地に、胸を震わせる歌声が響く最後の再会

(C)Marty Sohl／Metropolitan Opera

本作でまず心を動かされたのは、歌声が持つ感情の豊かさです。

オペラの知識がなくても難しく考える必要はありません。注目したいのは、声から伝わる"温度"です。フリーダの歌声には、強さや痛み、怒り、そしてディエゴへの複雑な愛情が宿り、その人物像を鮮烈に浮かび上がらせます。彼女にとって痛みは、ただ乗り越えるべき苦しみではなく、絵を描き、自分自身を表現するための源でもありました。だからこそ、死後の世界で苦しみから解放されたフリーダが、もう一度現世へ戻る意味を見つけていく姿には、単なる再会の物語を超えた切実さがあります。

一方、ディエゴの歌声からは、老いや孤独、後悔、そして失って初めて気づく愛情が静かににじみ出ていました。2人の声が重なることで、愛だけでは割り切れない関係性の複雑さが立ち上がってきます。

また、音楽も単に美しいだけではありません。民族音楽を思わせる響きや、現代音楽のような緊張感が織り交ぜられ、現実と幻想が入り混じるフリーダの作品世界を思わせます。音楽を聴いているというより、音で描かれた絵画に包まれるような感覚でした。

さらに印象的だったのが、死者の番人・カトリーナです。3時間半をかけて施される特殊メイクによる圧倒的な存在感と迫力ある歌声が重なり、登場するたびに舞台の空気を一変させていました。
 

舞台美術も本作の大きな魅力です。

遠近法を巧みに生かした舞台は、絵画の中へ入り込んでいくような奥行きを生み出します。中でも印象的だったのが、地面がひび割れ、地下世界が姿を現す場面。本当に舞台が冥界へとつながったかのような驚きがあり、生者と死者の境界が崩れていく様子を視覚的に見事に表現していました。

中央にそびえる赤い木も印象的です。動脈のようにも見えるその姿は、生と死、愛と喪失をつなぐ象徴のようで、フリーダの作品世界を舞台上に立ち上がらせていました。

(C)Marty Sohl／Metropolitan Opera

(C)Marty Sohl／Metropolitan Opera

物語は、第1幕と第2幕で印象が大きく変わります。

第1幕で描かれるのは、冥界にいるフリーダの葛藤です。死後の世界で痛みや苦しみから解放された彼女は、ディエゴのもとへ戻ることにすぐには前向きになれません。それでも、彼に会うためだけではなく、自分自身のためにもう一度現世へ戻る意味を見つけていく。その心の揺れが、色彩豊かな死者の日の世界とともに描かれます。
一方、第2幕では、残されたディエゴの孤独や後悔が静かに浮かび上がります。

同じ芸術家でありながら、世界の見つめ方も表現方法も異なる2人。その対比があるからこそ、限られた時間の再会がより切なく心に響きました。

本作は、METライブビューイングで観るからこその魅力も感じられました。

舞台全体を1枚の絵画のように映し出す一方で、カメラは出演者の表情や視線、衣裳の細部まで映し出します。劇場の客席からでは見逃してしまうような繊細な感情の動きまで伝わり、フリーダとディエゴの距離感がより身近に感じられました。

さらに幕間映像では、出演者やスタッフへのインタビュー、舞台裏の様子も紹介されます。演出や美術、音楽に込められた意図を知ることができるため、オペラに慣れていない人でも理解を深めながら楽しめる構成になっています。

(C)Marty Sohl／Metropolitan Opera

(C)Marty Sohl／Metropolitan Opera

『フリーダとディエゴ 最後の夢』は、実在した芸術家夫婦を題材にしながらも、単なる伝記でもラブストーリーでもありません。歌声、音楽、幻想的な舞台美術が重なり合い、「もう一度会いたい人に会えたら、何を伝えるだろう」という普遍的な問いを静かに投げかけてきます。

歌声に導かれ、絵画の中を歩くように、フリーダとディエゴの愛と喪失にふれる。そんな体験を味わえる1本でした。